Comité d’organisation
Clelia Paola Di Pasquale, Santa Vanessa Cavallari, Adélie Huguenin (CIELAM)
Comité scientifique
Nicole Colin (ÉCHANGES), Corinne Flicker (CIELAM), Sara Greaves (LERMA)
Le collectif Frontières a pour ambition de fournir une réflexion générale sur le concept de frontière et de penser ses multiples déclinaisons dans la littérature, les arts et les sciences humaines. La richesse conceptuelle de la notion de frontière révèle ses implications concrètes dans nos vies et dans nos représentations individuelles et collectives, dans un monde où les frontières géographiques et culturelles sont de plus en plus perméables, comme conséquence des flux migratoires multiples et de la globalisation. En tant que chercheur·euses, nous observons aujourd’hui une tendance au décloisonnement, avec un essor de l’intermédialité dans les arts et la promotion de la transdisciplinarité. Plus que jamais, les sciences sociales semblent interroger les catégorisations usuelles ; l’identité de l’humain contemporain se présente comme une identité plurielle, ouverte à tous les flux : transferts culturel et linguistique, ou encore fluidité du genre. C’est en effet la notion de fluidité qui nous semble le mieux définir la façon contemporaine d’être au monde. Flux d’information, réseaux sociaux et transparence, télescopage du privé et du public…Les frontières entre soi et l’autre, entre soi et le monde deviennent de plus en plus poreuses. Peut-on parler d’une dissolution générale ? Comment s’approprier les frontières dans une époque qui reconfigure la réalité au-delà de la bi-univocité ? Cette fluidité peut-elle paradoxalement nous confiner, nous enfermer dans des carcans, la vitesse et la transparence nous empêchant d’entendre la voix de l’autre, et l’écho du monde résonner en nous ? Cette journée d’étude a recueilli plusieurs lectures de ce courant (son rythme, son endurance, sa continuité) qui redessine la carte des frontières géographiques, sociales, linguistiques, génériques, symboliques et artistiques.
Ancrage disciplinaire : axes d’étude
La journée d’étude s’est articulée autour de trois axes. Le premier réunit un metteur en scène, Gianpiero Alighiero Borgia, et deux jeunes chercheur·euses en Dramaturgie et Arts de la scène, Matéo Mavromatis et Maritza Beatriz Garcia Rodriguez. L’accent a été mis sur l’influence du mythe dans la réalité contemporaine, évoquant la perméabilité du corps de l’acteur et l’adaptabilité de sa voix qui se façonne jusqu’à toucher l’abstraction : l’acteur réactive des archétypes appartenant au mythe grec qui se glissent directement dans l’inconscient de notre quotidien et les rendent encore actuels et vivants. L’objectif de cet axe n’était pas de transformer les héros mythologiques en personnages contemporains, mais de réactiver et ré-agencer ces archétypes narratifs reliant le symbolique et la transcendance de la figure mythologique à la contingence de l’être humain contemporain. L’acteur est un pont entre ces deux pôles, son rôle est de déconstruire le stéréotype du héros mythique pour le faire flotter vers une identité plus proche de la nôtre, non-stéréotypée et permettant un rapprochement intime entre personnage et spectateur.
Le deuxième axe d’étude réunit les travaux de Pierre Troullier, traducteur de Joyce et doctorant en Pratique et théorie de la création littéraire, et d’Alix Stéphan, doctorante en Philosophie. Leurs études sur Joyce (Pomes Penyeach) et sur Antonioni (L’Eclisse) traitent de l’usure des géométries spatiales et temporelles. La porosité linguistique, et celle entre genres textuels, entre œuvres mineures et majeures, nous révèlent les dynamiques de permutation dans les lieux textuels et scéniques. L’itinéraire auto-bio-bibliographique accompli par Joyce dans son ouvrage, ainsi que la dilatation et la compression spatio-temporelles et le ballottement constant du sujet dans la pellicule d’Antonioni, dévoilent les « immanences plurielles » (Genette, 1994) de l’œuvre artistique.
Le troisième axe fait communiquer Études cinématographiques et de genre, Psychanalyse et Arts plastiques. Il problématise la question de l’appartenance dans la fluidité du quotidien contemporain en étudiant les stratégies d’ancrage dans un espace dépourvu d’accroche. Montrant l’intersexualité et l’hermaphrodisme des personnages de Shrek, le travail de Lisa Schwencke nous mène au cœur de la théorie queer et interroge la liquidité moderne (Bauman, 2000). La frontière symbolique et spatiale peut se présenter comme un espace nécessaire pour discontinuer, comme le montrent les recherches d’Olivia De Graef, et ses interstices rendent habitable l’« entre-deux ». Tout en restant un lieu d’installation à la marge (Claude Pawlik), la lisière ouvre au repli intime, pour mieux pouvoir se relier au monde.
Premier volet. Contamination du mythe et transformation de l’archétype sur la scène contemporaine
La Cité des Mythes, rêve politique urbain – Gianpiero Alighiero BORGIA, metteur en scène et directeur artistique à Teatro dei Borgia (article en anglais, les coordinateurs s’engagent à le traduire intégralement)
La Cité des Mythes du « Teatro dei Borgia » est une action artistique et politique qui traverse la ville et emmène les spectateurs dans les lieux de marginalisation, éclairant les paysages urbains à travers le faisceau de lumière du Mythe. La confrontation entre les tragédies grecques et l’investigation du monde contemporain a donné naissance à des œuvres sur Héraclès, Philoctète, Médée et Antigone : une expérience théâtrale qui se déroule dans la réalité. Le voyage commence avec Héraclès dans une cantine populaire, puis se poursuit avec Philoctète dans un EHPAD, la troisième partie se déroule à bord d’une camionnette avec Médée et se conclut avec Antigone dans un cimetière. La Cité des Mythes ne vise pas à créer des textes à lire et à interpréter, mais veut activer la « vie sur scène », dans un processus qui oppose la tradition théâtrale italienne, basée sur le texte, et les traditions slave et anglo-saxonne, basées sur l’action.
Médée-Matériau, la voix anthropologique, un matériau fluide – Matéo MAVROMATIS, doctorant en Arts et Esthétiques de la scène à Aix-Marseille Université (LESA)
« Je chante sans espoir sur la frontière » écrit Sarah Kane dans 4.48 Psychose. Dans le Médée-Matériau de Heiner Müller mis en scène par Anatoli Vassiliev et interprété par Valérie Dréville, Médée doit retraverser son mythe, pour oublier Jason, revenir à la source, c’est-à-dire à la magie, c’est-à-dire à l’art. Pour cela, dans cette pièce, elle utilise le langage, la parole, les mots. Leur contenant anthropologique est comme viviséqué par la technique vocale si particulière de Vassiliev. Abstraction du sens et donc du figuratif du récit, la perte de repères pour le spectateur est totale. Il baigne dans un dispositif où la voix, matériau fluide et insaisissable, l’enveloppe, le traverse, le modifie. Ici, Médée chante sur la frontière et son chant a figure de cri.
« De Phèdre à Phèdre ! et de Giselle à Giselle… La porosité entre la page et le plateau dans la scène-monde de François Gremaud » – Maritza Beatriz GARCĺA RODRĺGUEZ, masterante en Dramaturgies à l’École Normale Supérieure de Lyon
La proposition théâtrale de François Gremaud répond à une écriture transfrontalière qui rend compte des liens tissés entre la page, le plateau et la salle, en tant qu’espaces de pensée. Le geste de réécriture du mythe et de l’archétype porté par Gremaud inscrit Phèdre ! et Giselle… dans une dramaturgie processuelle, où la création se pense elle-même en termes de porosité, dans un mouvement qui avance « sans savoir où ». Cette conscience de l’œuvre en tant que réactualisation crée un espace poreux où l’adaptation et l’adapté se retrouvent, tout comme la danse classique et la danse moderne. Le rapport à la production est donc modifié par la catégorie « processuelle », qui désamorce les notions d’efficacité et d’accomplissement, à partir d’un régime de monstration qui interroge la place du spectateur dans une scène qui devient espace de résonance avec le monde.
Deuxième volet. Flux et reflux, porosités silencieuses et résonantes
La poésie transfrontalière de James Joyce : le cas du recueil Pomes Penyeach – Pierre TROULLIER, doctorant en Pratique et théorie de la création littéraire et artistique à Aix-Marseille Université (CIELAM)
En 1927, James Joyce publie à Paris un minuscule recueil de la taille d’un passeport, Pomes Penyeach. Les treize poèmes en vers libres qui le composent reconstituent les étapes de la migrance de l’auteur à travers l’Europe. Ainsi, la mention d’un lieu et d’une date à la suite de chaque texte confère à l’ensemble une trajectoire dans le temps, des années de jeunesse à celles de la maturité (1904-1924), et dans l’espace, de Dublin aux villes de l’exil volontaire (Trieste, Zurich, Paris). En récapitulant l’odyssée du poète, les poèmes rendent poreuses les frontières entre pays, mais aussi celles qui séparent l’œuvre majeure (Ulysses) de l’œuvre mineure (Pomes Penyeach). L’écriture transfrontalière de Joyce s’attaque à un double discontinuum, géographique et générique ; elle souhaite rétablir la continuité entre l’espace dublinois et le continent européen, entre le roman et la poésie. Et si le magnum opus n’était pas celui qu’on croit ?
À partir de L’Eclisse : usure des frontières chez Antonioni – Alix STÉPHAN, doctorante en Philosophie à University College Dublin (UCD School of Philosophy)
Le cinéma existentiel de Michelangelo Antonioni est un cinéma du questionnement des limites. En se concentrant sur son film L’Eclisse (dernier de sa célèbre trilogie après L’Avventura et La Notte) on ne voit pas qu’un dépassement désabusé d’une frontière mais, au contraire, un constant flux et reflux qui use la limite devenue poreuse. Antonioni nous demande de penser la porosité des limites à partir de la notion d’usure. Usure qui est ici à entendre dans toute sa force derridienne : « On peut déchiffrer la double portée de l’usure : l’effacement par frottement, l’épuisement, l’effritement certes, mais aussi le produit supplémentaire d’un capital » (Marges de la philosophie). Mon but sera donc d’explorer les éclipses, c’est-à-dire ces moments où nos limites habituelles sont bouleversées, que nous donne à voir Antonioni tant dans la sphère temporelle que communicationnelle.
Troisième volet. Des frontières comme lieux d’ancrage : errance, marge et discontinuité utopique
Frontière, utopie et parodie dans Shrek – Lisa SCHWENCKE, doctorante en Études cinématographiques et en Littérature comparée à Aix-Marseille Université et Université de Montréal (CIELAM)
Cette communication étudie la façon dont le film Shrek (DreamWorks, 2001) remet en question un grand nombre de frontières conventionnelles (géographiques, médiatiques, historiques, de genre, de sexualité). En associant la parodie à l’utopie, Shrek ne se contente pas de déplacer les frontières, mais de les représenter en mouvement. Le livre de contes de fées, représenté dans la scène d’ouverture du film, incarne le lieu de non-frontière à partir duquel Shrek pense une résistance aux catégories binaires et figées. Cette résistance semble cependant limitée et contradictoire lorsque le film réintroduit des frontières et des catégories fixes. Cette tentative de résistance comme ses limites permettent de constater qu’il est difficile, dans le contexte où sort le film, de concevoir les frontières comme fluides et en mouvement, car il y a le risque de retomber dans une catégorisation.
Les lieux d’installation à la rue, flux et marges – Claude PAWLIK, psychologue clinicien et doctorant en Études psychanalytiques à Université Paris-Cité (CRPMS)
Les installations à la rue et les formes qu’elles prennent, relèvent d’une multiplicité de déterminants. De telles constructions entretiennent des rapports d’habitation à des territoires liminaires qui s’y constituent ainsi que dans un ensemble de pratiques (la marche, la manche, le glanage), inventant des modalités de rapport à l’autre. Ces installations sont en marge mais en contact avec des flux, traces plus ou moins incarnées de l’activité humaine. Ces corps se mettent en présence, simultanément au centre et aux confins du corps social dans des zones de passage, frontières disséminées, épaissies, lesquelles organisent un état de transition permanent. Ce mouvement permanent, cette énergie vitale qui traverse le sujet, soutient le processus de l’errance et son travail de déliaison au risque des ravages de la désymbolisation.
Composition, condensation, superposition : l’expérience hétérotopique et hétérochronique comme déploiement de l’espace-habité – Olivia DE GRAEF, doctorante en Arts plastiques à Aix-Marseille Université (LESA)
Monde flottant, réticulaire, urbanisé, décosmisé (Berque, 2021), abîmé (Macé, Noël, 2019)… Bien que nous nous sachions éminemment liés à notre « vaisseau spatial terre » (Morin, 2011), sphère finie dans l’infini, nous sécrétons un monde sans limites. Générant un espace de transit continu, la modernité et la mondialisation urbaine ont entraîné la réduction de l’espace à une étendue ou à un objet modélisable et virtuel. Cybernétique, virtualisation, artificialisation : les nouvelles organisations de l’espace superposent des réseaux, des pôles, des flux, qui modifient les notions classiques de temps et d’espace, et transforment les relations précédemment développées de l’homme à son milieu. Inquiétude, indignation, aliénation, nos manières d’habiter l’espace sont travaillées par nos perceptions. Comment la création d’espaces-tiers, hétérotopiques ou hétérochroniques, d’ordre visuel, spatial ou mental, peut-elle permettre de nourrir notre relation au monde ? En quoi l’entre-deux en tant que lime, passage ou antre, peut-il constituer un paradigme de création permettant de résister à l’accélération, à la multiplication effrénée des frontières ou a contrario, à la disparition progressive des seuils ?